L’incident

The Happening
M. Night Shyamalan
Si adaptem el que deia Oscar Wilde parlant dels llibres al cinema, podríem dir que hi ha tres tipus de pel·lícules: pel·lícules per veure; pel·lícules per tornar a mirar ; i pel·lícules per no mirar de cap de les maneres. La darrera proposta del director d’origen indi, M. Night Shyamalan estaria emmarcada en la segona classificació, és a dir, en aquell tipus de pel·lícules que s’han de tornar a mirar per acabar de copsar el sentit de l’obra. Tot i així hi ha qui assenyala que hauria de ser encasellada dins la categoria “no mirar de cap de les maneres” argüint senzillesa argumental, un excessiu “por-ecologisme” i un mal càsting.

La trama

La trama del guió és aparentment plana. A Nova York una sèrie de suïcidis col·lectius anuncien una catàstrofe que en un primer lloc s’atribueix a un atac terrorista. A partir d’aquí, els habitants de la costa est dels Estats Units emprenen una fugida en massa cap a l’interior del país en busca de més seguretat. Dins aquest context, el professor Elliot Moore (interpretat per Mark Wahlberg) i la seva dona Alma Moore (Zooey Deschanel) es veuran atrapats per la psicosis i les morts inexplicables que es succeeixen al seu voltant. Part del sentit de la proposta be quan la gent comença a intentar explicar què està passant. Tot i que en un primer moment es pensa en un atac terrorista, després, no obstant, els personatges van argüint noves teories com que les plantes han alliberat una toxina que s’escampa amb el vent i que això és la causa de les morts. Per aquest motiu, molts han titllat, erròniament al meu parer, la pel·lícula com ecologista.

Les claus

L’obra te dos punts sobre els que vertebra tota la trama, a saber, la por a una amenaça desconeguda (podríem dir a que a la mort en general) i la nostra incapacitat, com humans, per donar una explicació d’aquesta por i de la nostra finitud. Tant al principi com al final de la pel·lícula, el director ens dona part de les claus per entendre el sentit de la pel·lícula. Quan el professor li pregunta a un dels seus alumnes per que creu que han desaparegut les abelles, aquest li respon que hi ha certs fets a la natura que no comprendrem mai. Al final un científic esgrimeix el mateix argument per explicar el que ha passat.

Si la nostra espècie, o si és vol, si la cultura occidental és incapaç de trobar alguna explicació aquests interrogants i de donar sentit a la vida, llavors, quines opcions ens queden? Aquí Shyamalan planteja una possibilitat que és la de viure aïllats els uns del altres, moment que queda reflectit quan emergeix el personatge interpretat per Betty Buckley, una dona que viu sola al bosc i que acollirà els protagonistes en la seva fugida. Però viure d’aquesta manera, com veiem, pot portar a la bogeria. Si, com deia Aristòtil,  som animals socials per naturalesa, què passa doncs, si com espècie som incapaços de comprendre el sentit de la nostra existència, el sentit del mal i del dolor? Totes aquestes reflexions queden contextualitzades pels atacs terroristes que van marcar la sensibilitat del món al 2001 i expressades per aquesta incapacitat per comprendre i donar raó d’aquest mal. Part de la solució la donen els seus protagonistes, ja que tot i la seves mancances comunicatives, que queden reflectides en una aparent mala interpretació, l’amor, o la por a morir sols, és el que els porta a enfrontar-se a la mort.

Per tot això la proposta de Shyamalan s’inscriu, de la mateixa forma que les formidables El bosc, El sisè sentit i tota la resta de la seva filmografia, dins de les pel·lícules per tornar a mirar en el sentit simbòlic del terme mirar, és a dir, com a relectura d’allò que l’ull veu, que no és altre cosa que la escissió subjectiva que presenta un subjecte fragmentat incapaç de trobar respostes o de comunicar-se i que, tot i així, pot continuar vivint i procreant.

Michael Ondaatje con Liz Calder sobre “Divisadero”

Los modos lógicos de la realidad

Esta semana he tenido el placer de ser invitado, el próximo miércoles 11, al cierre de la investigación que, enmarcada dentro de la serie de los modos lógicos de la realidad, es presentada y llevada a cabo por Alberto Caballeo con título “La mujer, la mujer- artista, el arte (el objeto) de la nominación simbólica al objeto como nominación”. A continuación paso los detalles de la cita y un resumen del trabajo:

Presentación del programa de investigación y de la obra de Eulàlia Valldosera

La representación de la imagen: el paso de lo visual a lo virtual

El consumo del objeto y la sociedad mas allá del mercado

De la sexuación a una sexo-acción (una sexualidad sin objeto)

Discutidores
Carlos Bermejo, Jorge Chapuis, Carmen Valls,
Begoña Matilla, Carmen Lafuente, Antonio Colom

miércoles 11 de junio de 2008 de 20 a 22 horas
Centre Cívic Pati Llimona, Sala Maragall
Regomir nº3, 08002 Barcelona

P&S
PSICOANÁLISIS & SOCIEDAD
CENTRO DE INVESTIGACIÓN
Espacio Investigaciones en curso
Coordinación: Antonio Colom

http://www.psicoanalisisysociedad.org
lista-no-toda@psicoanalisisysociedad.org

Contacto e información

Antonio Colom

colompons@teleline.es

93 418 03 42

Alberto Caballero

geifco@teleline.es

93 419 79 68

La mujer, la mujer- artista, el arte (el objeto) de la nominación simbólica al objeto como nominación (Alberto Caballero)

Resumen general

Alberto Caballero

La mujer y su relación con el objeto ha sido un debate que nos lleva ya un siglo, desde el famoso caso Dora de Sigmund Freud hasta el tan manido paradigma la mujer-objeto del fantasma de un hombre, aunque no-toda.

Desde este punto, la mujer ha intentado dar diferentes respuestas a su relación particular con el objeto. De ahí el interés radical que tiene la relación de la mujer con el arte, y no sólo con las denominadas artes visuales, sino también con la literatura, la música, la moda, y actualmente el cine y el videoarte.

Encontramos primero a la mujer artista como objeto de la mirada del Otro, es el caso de Gala, entre otras. Más adelante, la vemos intentando mostrar ella misma su mirada particular, como es el caso de Frida Kahlo, Tamara de Lempicka o Dora Carrington. Hasta que, alrededor de los años cincuenta, se produce un cambio radical: presenta su propio cuerpo perfomáticamente como parte de su hacer artístico. Mujer/mujer-artista/ y su cuerpo como objeto, en un solo paradigma. Es éste el momento en que la mujer entra en ‘el gran mercado del arte’: Rebecca Horn, Gina Pane, Sophie Calle, Orlan, Cindy Sherman.

¿Cómo es este nuevo mercado? ¿De qué manera este proceso particular ha sido determinante para el nuevo modelo de sociedad de mercado? La mujer ya no es sólo consumidora, también es productora, participa de los procesos de producción y en la economía resultante, la economía del objeto. La economía del objeto es resultado de la economía del aparato: el aparato será el nuevo objeto a presentar.

Ahora no se trata de representar la escena, la escena fantasmática del amor, o del deseo… incluso del goce; se trata de presentarlas mediante el objeto, y el objeto como tal, efímero. Al desprenderse del fantasma, de la realidad fantasmática, lo que aparece desnudo, desvelado, es lo efímero del objeto, en tanto imaginario, y de lo que se trata en el arte es de instalar-lo en tanto real.

Hemos pasado de la representación a la presentación, de la realidad fantasmática a la realidad ordinaria. Si la mujer, y en particular la mujer-artista, han sido fundamentales para producir estos saltos lógicos, ¿cómo estos cambios han influido en la mujer y su sexualidad? En la realidad fantasmática ocupaba en la escena el lugar del objeto -fijado para el Otro- en tanto per-versión del Otro.

Ahora, ante la presentación efímera del objeto, lo que le queda es la acción. Ha pasado de la puesta en acto del objeto, al objeto por la acción, de la sexuación a la sexo-acción. ¿Con qué modelos de sexualidad nos encontramos? Se trata de una sexualidad performática: hemos pasado de una imagen del objeto a una información sobre el objeto.

Durante la investigación ‘Eulàlia Valldosera: mujer, mujer-artista, arte’, que vengo desarrollando dentro del espacio Investigaciones en Curso, del 2001 al 2008, he ido compartiendo el proceso con otros colegas, investigadores, artistas, psicoanalistas, etc., en cuatro encuentros anuales. En este momento de conclusión de la investigación, me parece importante realizar con ellos este cierre, construirlo juntos; se trata, en este caso de construir juntos las conclusiones.

Aberto Caballero

Sin flores ni coronas

Sin flores ni coronas
Odette Elina
Ed. Periférica
132 pàg.

Després de llegir Sin flores ni coronas un s’adona que la mateixa pregunta que es formularen Hölderlin, Adorno i tants altres sobre la necessitat i la possibilitat de l’escriptura, el pensament, i l’art en general, després de l’horror nazi, no pot tenir sinó una resposta afirmativa. Tot i el risc de banalitzar un tema tan profundament arrelat a la nostra història més fosca, quan és un testimoni directe el que parla, hom no pot deixar de pensar en les paraules de Víctor Frankl que ens exhortaven a llibertat de l’home fins i tot en els moments més durs. És precisament, aquesta llibertat que fa que Elina triï no lliurar-se a la barbàrie que fa de les persones subjectes escindits entre la supervivència, l’horror i l’animalitat.

Així, el llibre en qüestió ens parla de les experiències, en forma de dietari, d’Odette Elina al camps d’Auschwitz-Bierkenau durant 1944 i 1945. Presentat en primera persona, ens narra, des de aquesta tria esmentada, una mena de recull expressionista que forma un collage de l’infern no excent de lirisme i bellesa que retrata tant la dignitat de l’autora com la misèria que l’envolta.

El proper 29 de maig faran disset anys de la mort d’Odette Elina que es va dedicar, un cop alliberada, a ser testimoni de la barbàrie, formant part de diverses associacions de deportats i exercint com a secretaria francesa del Comissionat Internacional d’Auschwitz. Al 1948 va publicar Sin flores ni coronas per, com diu la mateixa Odette, donar sortida a tot el que va viure, car resultava impossible guardar-s’ho tot per ella. De la mateixa manera, dedica el llibre a tots aquells que naixérem després de 1945, per que aquest testimoni pugui despertar en ells l’horror al nazisme, però també la esperança en l’home. A mesura que avançava en la lectura no deixava de preguntar-me si hagués estat en tal situació com hauria actuat, com m’hagués comportat i de la mateixa manera en venien a la ment aquelles paraules de Dostoievski que parlaven d’una de les seves pors: no se dignes del nostre patiment. D’aquesta manera, Odette ens recorda que fins i tot en les pitjors de les condicions, som lliures de triar la dignitat amb la que podem enfrontar el nostre destí per sobre de les circumstàncies.

Barthes afirmava que la identitat formal de l’escriptor només s’estableix realment fora de la instal·lació de les normes gramàtiques i de les constants d’estil (…) llengua i estil són forces cegues, la escriptura, no obstant, és un acte de solidaritat històrica. En tota forma literària existeix l’elecció general d’un to, d’un ethos. La escriptura és una manera de pensar la literatura i en aquest cas concret, l’escriptura d’Odette Elina, el seu ethos, entra a formar part de la nostra memòria per recordar-nos d’allò que som capaços i que, fins al final, podem triar la manera en que volem viure.

El teorema de Almodóvar

Antoni Casas Ros
Seix Barral

De la misma manera en que Diane Arbus retrató el otro lado de la belleza, Casas Ros, desde la soledad en la que recluye al personaje principal, narrando en primera persona a modo de biografía novelada, nos presenta la catarsis de una persona que encuentra en el teorema de Almodóvar (Armonía = Caos) una explicación y sentido a su estado. Desfigurado después de un accidente, el personaje nos enseña el camino que recorre para encontrar belleza donde antes había caos.

¿Quién es su autor? Nacido el 1972 en Cataluña, Antonio Casas Ros era un prometedor matemático que vio su vida truncada por un accidente de coche que lo postró en la soledad, fruto de la cual nace esta primar novela.

¿Por qué vale la pena (o no) leer el libro? Ros nos dice, “Cuando las palabras emergen, siempre me sorprendo. A veces me desconcierta que una frase con su estructura puede emerger de un universo de palpitación indecible”, buen motivo.

¿A qué se parece? Realismo mágico contemporáneo mezclado con imágenes de Diane Arbus y escenas de Todo sobro mi madre.

¿Cuáles son sus influencias obvias? Cortázar, Almodóvar, Borges…

Lo improbable y otras novelas

Julián Rodríguez
Debolsillo

Tres novelas componen la presente edición de Debolsillo en un mozaico literario que ahonda en lo íntimo de la busqueda de sentido a través de unos personajes atravesados por esta, manoseada, modernidad líquida. Así, Lo improbable (2001), La sombra y la penumbra (2002) y Ninguna necesidad (2006).

¿Quién es su autor? Nacido en Ceclavín, Cáceres, en 1968, Julián Rodríguez esta considerado como uno de los renovadores de la narrativa española. Editor de la editorial independiente Periférica. En 2006 ganó con Ninguna necesidad el premio Ojo Crítico de narrativa.

¿Por qué vale la pena (o no) leer el libro? Más allá del argumento que lo sitúa como un renovador, la fuerza narrativa basada en unos personajes perdidos, en busca de sentido, dotan a sus propuestas de todo aquello que hace de un libro buena literatura.

¿A qué se parece? La composición de los personajes y el uso de la elipsis hacen pensar en Guillermo Arriaga.

¿Cuáles son sus influencias obvias? Sciascia, Ceronetti, Beckett…

El cuaderno secreto de Hans

Javier Salinas
La Fabrica/ BlowUp

Javier Salinas nos presenta las reflexiones de un niño que crece entre dos culturas, la alemana y la española. Es interesante la presentación que hace a modo de accidente: de amor, por que sus padres parecen no quererse y geográfico, por vivir a medio camino del chucrut y los toros.

¿Quién es su autor? Javier Salinas nació en Bilbao en 1972, creció en Madrid donde se licenció en Derecho y en Filología Hispánica en la Universidad Complutense, realizando más tarde estudios de doctorado en Literatura Española Contemporánea. Ha trabajado para distintas editoriales españolas y como profesor de español en la Universidad Complutense.

¿Por qué vale la pena (o no) leer el libro? Es una propuesta interesante más por la forma que por el contenido, al presentar las reflexiones de un niño, la forma escueta, con frases cortas aporta mucho ritmo, pero las reflexiones de un niño pueden llegar a cansar un poco.

¿A qué se parece? Una mezcla de Momo y teletipo emocional.

¿Cuáles son sus influencias obvias? Michael Ende, Juan Ramón Jiménez, Cees Nooteboom

Presuntuoso afán

Adam Sisman
Belacqva

Adam Sisman nos presenta un libro sobre una de las biografías más importantes de la historia de la literatura, Vida de Samuel Johnson, escrita por James Boswell en 1791 causando cierta conmoción en el mundo literario de la época por lo intimista de la propuesta. Se preguntaba Borges a propósito del libro de Boswell, ¿tendría (Johnson) curiosidad de ver lo que Boswell estaba haciendo, de ver cómo lo mostraba en el libro? La cuestión que aquí se nos presenta, salvando los anacronismos, es saber si tendría Boswell curiosidad de ver lo que Sisman estaba haciendo. Yo creo que sí. Hubiese hecho bien.
¿Quién es su autor? Adam Sisman ha trabajado como editor  llevando a cabo diversos proyectos editoriales. Actualmente es crítico literario en The Sunday Telegraph, Los Angeles Times y Literary Review.
¿Por qué vale la pena (o no) leer el libro? Si lo tuyo es la no-ficción y las biografías este es tu libro, sino a otra cosa.
¿A qué se parece? A pesar de ser ameno y accesible no deja de ser un libro sobre una biografía, con lo que huele a academicismo.
¿Cuáles son sus influencias obvias? Boswell, Samuel Johnson, Alejandro Vaccaro…

El Clan Inugami

Seishi Yokomizo
La Factoria de Ideas

Un joven huérfano se erige en la clave que el detective Kindaichi tendrá que descifrar para resolver una serie de asesinatos sórdidos que parecen comenzar con la muerte del jefe del clan Inugami. Intrigas, sexo y muerte perfilan la traducción castellana de una de las novelas negras más importantes de Japón.
¿Quién es su autor? Considerado como el mejor escritor nipón de novelas de misterio, Seishi Yokomizo (1902-1981) nació en Kobe. De pequeño devoraba historias de misterio. Publicó su primer historia en la revista Shin Seinen.
¿Por qué vale la pena (o no) leer el libro? Yokomizo es un maestro del género. Domina la trama a la perfección, con lo que si busacas una novela llana que enganche de principio a fin, esta es la indicada.
¿A qué se parece? Haruki Murakami, Akira Yoshimura, Chandler,
¿Cuáles son sus influencias obvias? Matsuo Bashō, Yasunari Kawabata…

Llicenciat en filosofia, Diego Giménez, és crític literari del Diari Maresme així com col·laborador de la revista de tendències Hmagazine.